国画审美内涵与创新

国画审美内涵与创新摘要：本文对国画创作中的表现进行了水里对国画审美艺术修炼进行探索和分析以齐白石的作品作为案例进行详细分析旨在对国画技艺的不断传承与创新进一步深入国画审美理念和创新发展。中国绘画艺术源远流长、历史悠久。经过数千年的不断发展国画艺术蕴含着中华民族传统的文化和审美理念。在艺术表现的过程中国画对审美理念发展发挥了重要的推动作用与此同时将人们对审美隶属的认识进一步深化在多种途径中将美展示在人们面前。艺术并不是凭空产生的，其来源于人们的实际生活而又高于生活艺术是对生活的再次创造其不是在复制生活而是具有生命其生命的活力在于不断创新这一点在国画艺术中被完美的体现出来关键词：表现审美艺术国画技法传承创新一、创作理念的不断创新在人们的日常审美中其主要来源于生活的不断积累从而形成的一种审美法则。在古代一些艺术家和学者针对审美理论提出了各种各样的观点。例如“黄金比律”是毕达哥拉斯学派中在数和量中提出的在艺术领域中被广泛应用。直至今日在时代变迁中人们对美的探索在不断的拓展越来越多的元素被引进到艺术形式中并获得了很好的效果。对于国画来讲其注重的并不仅仅是对事物的描述和记录更是对事物的提炼和概括其所表现出来的是一种精神是一种神韵在国画艺术中很多学者对“似与不似”的话题进行了深入的探讨这也是对国画神韵及审美艺术的最好体现。齐白石作为当代最为杰出的艺术家之一其将中华民族传统技艺继承的淋漓尽致。齐白石的画作很多是随意创作手法简单不失大气，信手拈来”而又“意不在此”。在谈论画作时齐白石曾说：绘画的妙处就在于“似”和“不似”之间如果太相似那么会显得很俗气不相似则又不被人所接受。因此在描绘物象中不像的话会让观者无法看懂不能理解画作的内涵：太像那么太过于直白就不能够为观者提供想象的空间。二、表现手法的不断创新在理念上不断革新从表现手法上来体现是国画创新历程中的一大飞跃。这从齐白石先生的画作中可以清晰的体现出来。按照“似”和“不似”的理论齐白石先生在毕生的创作生涯里面塑造出很多独树一帜的艺术形象和作品。在其笔下的牵牛花、青蛙、雏鸡和虾蟹等充满了朴素的韵味和平淡的情趣。特别是对虾的绘画中经历了很多次的转变。在之前只是形态单一的墓古，之后则是主要写“实”对虾的绘画十分逼真但是又不失情趣。在此之后齐白石先生的画作中所表现出的技法层层深入在其创作中笔墨画逐渐增多所绘画出的虾质感更强在头部、胸部等位置有了更强的坚硬感在虾须处开合变化有所体现在虾体处色彩浓淡也有所变化。这种技艺揣摩很久之后齐白石先生的表现技法才逐渐定性，其使用笔墨突出虾的特征在重要位置处下功夫表现将次要部位减少。通过不断的改进和尝试当其画风成型之后在他笔下的画作虾的躯体透明，富有弹性动作轻巧形象逼真。齐白石对虾的绘画方面带给人们的是一种简单大气的感觉朴实逼真这些来源于生活的形象在其笔下融入更多的思考将事物的客观感受通过画作表现出来。在早期齐白石先生的画作大多是以临墓为主其临墓古人画作中的花鸟。在此过程中绘画表现技法十分清新、十分整齐对笔工的运用上细腻工整。之后在绘画的中期逐渐洒脱开始使用随意的画法将个性发挥的淋漓尽致。在齐白石先生晚年其绘画技艺已经到达了炉火纯青的阶段画作真实自然没有刻意的修饰。在其晚年为老舍先生创作出一副画作名为《蛙声十里出山泉》这也是老舍先生指定的主题。在此幅画作中在作品中虽然没有画上蛙也没有其他更多刻意的描绘，但是观看的观众却能够深深的感受到蛙声。此幅作品启示来源于“出山泉”在画作中借用青蛙出生形态来描绘一种意境，让人感受到了画作中所蕴含的含义与西方绘画相比，中国画追求理想的审美意趣，并通过独特的艺术语言和艺术形式表现出来，不受物象固有物理特性的制约、融诗、国书、画、印为一体，意蕴内涵丰富多彩，意境玄妙而深邃，具有鲜明的风格特色和高雅的审美情趣。三、中国画的创作“意境”中国传统绘画艺术非常注重“意境”的表现，这主要是由中国传统的思维方式所决定的。“意境“是我国传统美学的一个重要范畴，是构成中国传统艺术审美的一个重要因素之一。意境论主张“以意为主”强调“表现”，但又要求寓“表述”于描述之中，使“意造境生”，令“山性即我性，山情即我情”“吾心即是宇宙”“宇宙即是吾心”通过“摄情”和“写貌物情”达到“摅发人思”，这种对“意境”的追求，促使国画家努力寻找一种符合自然精神的表现形式，并在艺术创作过程中追求自然的情趣美，将文学艺术中更深层次的美一一“意境”的表现融人到绘画作品中去，使作品显示出更深的内涵和更耐人寻味的“意念”与“情趣”。五代、两宋的山水画充分体现了这一追求。这一时期的画家深受唐代“诗画同源”，“诗中有画，画中有诗”的影响，在对自然的感悟中生发情感，从触景生情到寓情于景，达到情景交融，物我两忘的境地。受中国传统文化的影响，中国绘画历来追求含蓄的表述方式，将含蓄作为表现意境的一个重要方面。所谓含蓄，即含而不露，耐人寻味，在艺术创作中将要再现的主题及内涵深藏于画外，给人们一个自由想象、发挥的空间。清代画家戴熙提出画要让人所“思”“画令人惊，不如令人喜，令人喜不如令人思。”画面是有限的，画家往往只能表现特定的情节与自然物象的某一方面，而不能面面俱到，但绘画所体现的意念及情境则是无限宽广和自由的。因而，古代画家讲究一个藏”字：“画叠嶂层崖.其路径村落寺宇，苟能分得隐见明白，则不但远近之理了然，且趣味无尽矣更能藏于露处，趣味愈无尽。盖一层之上更有一层，一层这中，复藏一层。盖藏者未始不露，善露者未始不藏，藏得妙时，便使观者不知山前山后，山左山右，有多少地步，许多林木，何尝不显要知总不外躲闪处高下得宜，烟云处断续有则耳，若主于露而不藏。便浅而薄，即藏而不善藏，亦易尽矣。”四、中国画的构形思维以线造型是中国传统绘画思维方式中最基本最典型的特征之一。在中国的哲学思想中，自然是寓于生命的大自然的一切变化莫不是生命的律动，而人与万物相浮游，因而对宇宙万物的变化也就不能发生心灵的共鸣。艺术家们在表现自然物象时，更多的是注意其“精神内涵”的阐发，而不是对自然物象的外在形态的“如实描绘”。由此，中国传统绘画的表现手法就以简练且特色的“线条”为艺术语言，以达到“神游畅达”的境界。如长沙楚墓的战国帛画《御龙升天图》和陈家大山的《龙凤人物图》其共同的特点都是以线条作为主要造型手段，人物和龙凤的造型非常生动以墨线勾描，线条灵动而飘逸。战国帛画“迹简意淡”突出线条作用的水墨画法和西汉以高纯度装饰性色彩依线描涂染的勾勒着色画法，奠定了卷轴的基本画法。五、中国画的“笔墨”气韵中国传统绘画用线条作为造型手段的另一方面，是汉字书写艺术思维及表面形式的影响。书法对线条美的追求贯穿于书法艺术发展的始终，受其影响，中国传统绘画对线条的热爱更是如痴如醉。中国画用线造型既非主观上的随意行为，又非客观上的模仿过程，它是传统文化历经数千年沉淀的、共同的视觉思维定式。中国绘画艺术创作思维的另一大特点，是注重墨韵所体现出的美感。南齐画家谢赫“六法”中的”骨法用笔”即是对绘画提出的用第法则：唐代画家张彦远在(历代名画记》中也非常重视用笔的重要性：“夫象物必在于形似形似须全其骨气，骨气形似，皆本于立意而归乎用笔…”清代画家龚贤特别强调了“笔墨”对“气韵”生成的重要性。“笔中用墨者巧，墨中用笔者能，笔以思